Japón es un país con mucha historia que goza de una gran importancia cultural, tal y como refleja el arte japonés en sus diferentes manifestaciones.
Al tratarse de un país con un territorio que comprende un archipiélago de nada más ni nada menos que 14.125 islas, es normal encontrar una gran diversidad cultural que también se puede palpar en su cultura y en su arte.
Quizá no lo sepas, pero Japón ha estado habitado desde el Paleolítico superior (año 30.000 a.C.), aunque no fue hasta el Neolítico cuando surgió la cerámica, ese arte que se dedica a la fabricación de vasijas y otro tipo de objetos a partir de arcilla y otros materiales cerámicos mediante la acción del calor, al cocer el material a una determinada temperatura, obteniendo así una gran variedad de piezas de diferentes tipos, incluida la porcelana.
Aunque en un principio el objetivo de la cerámica fuera la fabricación de utensilios y recipientes con fines alimentarios, también se utilizó para fabricar todo tipo de figuras de carácter mágico, simbólico, religioso o incluso funerario.
Japón, junto a China, son dos países cuya tradición cerámica goza de una gran antigüedad.
De la alfarería antigua a la cerámica escultórica
La cerámica japonesa, junto a la china, es de las más antiguas.
La cerámica japonesa ha sido un arte que se remonta atrás milenios de historia y que ha sabido combinar a la perfección tanto las tradiciones más ancestrales de Japón como la vanguardia contemporánea, convirtiéndose así en un pilar fundamental en el desarrollo del arte moderno.
Por si no lo sabías, la cerámica surgió en torno al Neolítico.
En el caso de Japón, la alfarería se alza como uno de los oficios más antiguos, surgiendo durante el período Jomon (14.000 a.C. - 300 a.C.).
Desde sus inicios, la cerámica japonesa destacó por su gran precisión, su minimalismo y su gran respeto a los materiales y a sus características naturales.
La fabricación de recipientes y utensilios fue solo una de las funciones históricas de la cerámica. Las piezas también podían asumir una dimensión mágica, simbólica, religiosa, funeraria o ceremonial, de modo que el recipiente se convirtió progresivamente en una forma capaz de transmitir ideas, emociones y valores culturales.
La cerámica ha sido capaz de interactuar con otras artes como la caligrafía o la pintura, lo que ha servido de inspiración para muchos artistas, creando piezas que son escultura, pintura y cerámica a la vez.
El arte no reproduce lo visible. Lo hace visible.
Paul Klee
Influencias de China y Corea
En torno al siglo VI d.C., Japón comenzó a recibir influencia de otros lugares como China o Corea.
Corea y China influyeron enormemente en la porcelana japonesa.
A lo largo de los siglos, la cerámica fue evolucionando para poder reflejar las influencias culturales y técnicas que se iban sucediendo: la introducción del torno de alfarero (período Yayoi), desarrollo de la cerámica «Sueki» (períodos Kofun y Asuka) o el avance en la tecnología cerámica japonesa.
La cerámica Imari cuenta con una rica historia.
Parece ser que se inspiró en la porcelana vidriada azul del Sur de China, exportándose a Japón en el siglo XVII.
A diferencia de las piezas chinas, también incorpora elementos de diseño coreano.
Dicho esto, la apertura al comercio internacional dio lugar a un importante incremento en la producción de porcelana japonesa para los mercados extranjeros.
De hecho, desde mediados del siglo XVII, la porcelana azul y blanca japonesa gozó de gran popularidad en Europa.
La ceremonia del té y la transformación del recipiente
Sin embargo, con el auge de la ceremonia del té, los maestros alfareros dejaron atrás el estilo de la cerámica china, favoreciendo la fabricación de cuencos y estilos más sencillos y discretos, lo que se puede ver reflejado en la creación de la cerámica de Kioto.
Durante el período Muromachi (siglos XIV y XV d.C.), se llevó la ceremonia del té al máximo nivel de la mano de Sen no Rikyū, considerado el «Padre» de la cultura del té japonés, lo que hizo que se elaboraran piezas de cerámica únicas para utilizar durante dicha celebración.
Por aquel entonces, Arita fue la cuna de la porcelana de Arita.
Los coleccionistas de todo el mundo tenían mucho aprecio a estas piezas.
Desde la segunda mitad del período Azuchi-Momoyama (1568-1603) hasta la primera del período Edo (siglo XVII) se fabricaron numerosas piezas de cerámica con las que los artistas aspiraban a alcanzar la belleza.
Posteriormente, se experimentó un auge de la porcelana con decoración detallada.
Los maestros alfareros de Japón llevaron la cerámica a diferentes territorios del país insular, lo que conllevó a la aparición de diferentes tipos de vajilla, algunas dedicadas a la tradicional ceremonia del té, mientras que otras, sin embargo, se destinaron para otros fines.
De hecho, tal ha sido la actividad de la cerámica en el país que, durante el período Edo, ya había diferentes empresas que operaban en todo el país.
Los grandes centros y hornos de la tradición japonesa
El período más prolífero de la cerámica japonesa fue entre los siglos XII y XV, desde finales del período Heian hasta el período Muromachi, coincidiendo con la apertura de diferentes hornos en distintos puntos del país, entre los que destacan seis: Bizen (Okayama); Tanba (Hyōgo); Shigaraki (Shiga); Tokoname y Seto (Aichi), y Echizen (Fukui).
Son Patrimonio de Japón desde 2017.
Estos seis hornos, conocidos en japonés como Rokkoyō, son Patrimonio de Japón desde el año 2017.
La ciudad de Mashiko, considerada el centro alfarero más importante del país, cuenta con una larga historia como sede del estilo moderno de cerámica.
Shigaraki es uno de los tipos más antiguos de cerámica japonesa y es conocido por ser un estilo de piezas grandes y voluminosas.
Históricamente, este tipo de cerámica se utilizaba para hacer utensilios y vasijas para el té.
La cerámica de Seto es considerada un tesoro nacional.
| Centro o estilo | Características principales |
|---|---|
| Bizen | Uno de los seis hornos tradicionales |
| Tanba | Uno de los seis hornos tradicionales |
| Shigaraki | Piezas grandes y voluminosas; utensilios y vasijas para el té |
| Tokoname | Uno de los seis hornos tradicionales |
| Seto | Considerada un tesoro nacional |
| Echizen | Uno de los seis hornos tradicionales |
| Mashiko | Centro alfarero importante del estilo moderno de cerámica |
Principales estilos de cerámica y porcelana japonesa
Si quieres conocer los estilos más conocidos de cerámica y porcelana japonesa, a continuación recogemos algunos de los principales.
Raku
Raku. Se trata de un estilo de cocción de las piezas que se remonta al siglo XVI.
Entre los artículos más famosos destaca el chawan.
Shigaraki
Shigaraki es uno de los tipos más antiguos de cerámica japonesa y es conocido por ser un estilo de piezas grandes y voluminosas.
Históricamente, este tipo de cerámica se utilizaba para hacer utensilios y vasijas para el té.
Arita
La cerámica de Arita es famosa por su color y forma.
Se suele fabricar con materias primas locales y utiliza técnicas para crear patrones distintivos.
Akazu
La cerámica Akazu añadió el caolín a la arcilla que se solía utilizar en las piezas para la ceremonia del té.
Presenta un esmalte único (Kyusetsujiro).
Este tipo de cerámica se solía utilizar para los cuencos del té y se creó a principios del período Kamakura.
Suele estar decorada con diseños de flores y estampados, una técnica única en esta tradición.
Kutani
La cerámica Kutani es un estilo que utiliza una decoración con pintura sobreesmaltada.
Su historia se remonta al año 1655 (período Meiji).
De hecho, fue uno de los primeros estilos que se exportaron fuera de Japón.
Hasami
La porcelana Hasami tiene su origen en la ciudad homónima y se lleva fabricando desde hace más de 400 años.
De hecho, en la actualidad, representa en torno a una sexta parte de la producción de vajillas del país.
Imari
La cerámica Imari cuenta con una rica historia.
Parece ser que se inspiró en la porcelana vidriada azul del Sur de China, exportándose a Japón en el siglo XVII.
A diferencia de las piezas chinas, también incorpora elementos de diseño coreano.
Wabi-Sabi, minimalismo y belleza de lo imperfecto
Su estética minimalista y sencilla ha tenido un gran impacto, tendiendo hacia formas limpias y líneas simples.
La paleta de colores suele limitarse a colores y tonos naturales y sutiles.
Los principios de Wabi-Sabi, que celebran la belleza de lo imperfecto, lo incompleto y lo efímero, se reflejan en algunas piezas, donde se busca las irregularidades y la imperfección, así como lo único.
La cerámica japonesa ha enseñado a los maestros alfareros a celebrar la belleza y la armonía de la naturaleza.
En este contexto, la pieza no depende únicamente de su utilidad ni de una superficie perfectamente regular. La materia, la huella del fuego, la asimetría y la relación entre el volumen y el espacio adquieren un papel central.
La apertura a Occidente y la expansión internacional
Con la llegada de la industrialización y la apertura a Occidente, la producción cerámica creció en popularidad tanto dentro como fuera de las fronteras japonesas y las exportaciones comenzaron a crecer a un ritmo más acelerado.
Sin duda, el siglo XX marcó un antes y un después en la historia de la cerámica japonesa con artistas de la talla de Toshiko Takaezu, una joven alfarera criada en Hawái pero con raíces japonesas, que se atrevió a fusionar las técnicas tradicionales japonesas con ciertos enfoques contemporáneos, creando verdaderas obras de arte que trascendieron las fronteras culturales y artísticas.
En sus obras, reflejaba principios del Zen y del Wabi-Sabi, priorizando, por lo tanto, la imperfección y la simplicidad.
Técnicas tradicionales como el Raku, el Nerikomi o el Kurinki han sido adoptadas y renovadas por algunos artistas contemporáneos, consiguiendo así una aleación perfecta entre tradición y contemporaneidad.
El impacto de la cerámica japonesa se evidencia en numerosas exposiciones internacionales y en la adopción de las técnicas japonesas por parte de ceramistas de todo el mundo.
La cerámica escultórica japonesa contemporánea
La cerámica japonesa ha sabido combinar a la perfección tanto las tradiciones más ancestrales de Japón como la vanguardia contemporánea, convirtiéndose así en un pilar fundamental en el desarrollo del arte moderno.
En el mundo de los ceramistas modernos japoneses, una pieza puede presentarse como pintura, una escultura o un jardín.
El objetivo de estos artistas no es la función utilitaria, sino una experiencia puramente escultórica.
Sus creaciones intrigan y sorprenden: la forma del recipiente es apenas un punto de partida para la experimentación más audaz.
La cerámica escultórica asiática se articula así en torno a la tensión entre recipiente y escultura, superficie y volumen, estabilidad y movimiento, materia natural y construcción abstracta.
Algunas piezas abandonan la apariencia convencional del objeto utilitario para explorar estructuras abiertas, formas que parecen colapsar, láminas continuas, volúmenes sólidos o composiciones que recuerdan elementos vegetales y paisajes.
El autor juega con láminas continuas que recuerdan la cinta de Moebius.
Las formas pueden parecer irreales y, al mismo tiempo, conservar una relación visible con las técnicas cerámicas tradicionales.
El tratamiento de la superficie también participa en la construcción escultórica: el artista puede aplicar pintura, engobe y realizar sus consabidas quemas.
Una escultura cerámica no se limita a imitar una forma visible, sino que hace perceptibles el peso, la fragilidad, el vacío, la textura y la acción del fuego.
Una exposición dedicada a la experimentación
La exposición reúne piezas de 29 artistas, la mayoría realizadas en los últimos 20 años, donadas íntegramente al museo por la Dra. Phyllis A. Kempner y el Dr. David D. Stein.
Este grupo de ceramistas japoneses no existiría sin el legado de los pioneros del movimiento mingei en el siglo XX.
Pero sus propuestas actuales se apartan deliberadamente de aquellas premisas, trazando caminos de experimentación radical.
La muestra dialoga con el presente: en un contexto en el que la cerámica ha experimentado un resurgir global tras la pandemia, muchos de los artistas exponen su proceso creativo en redes sociales.
Las cartelas de sala incluyen sus cuentas personales, invitando al público a continuar la experiencia más allá de la galería.
La exposición reúne una diversidad de aproximaciones a la forma cerámica: vasijas, jarrones, platos, estructuras entrelazadas, recipientes de contornos vegetales y composiciones abstractas.
Las piezas son objetos únicos, con personalidad propia y que como las personas ninguna es igual.
Artistas y obras representadas
Entre las obras y artistas representados se encuentran los siguientes:
- Fujino Sachiko (1950). “A Moment in White”, 2012.
- Fukumoto Fuku (1973). “Tsukikage” (Luz de luna), 2013.
- Inaba Chikako (1974). Vasija en forma de hoja, 2020.
- Izumita Yukiya (1966). “Aurora No. 4”, 2012.
- Kakurezaki Ryuichi (1950). Jarrón cuadrado de lados redondeados, 2006.
- Katsumata Chieko (1950). “Gourd”, 2014.
- Kitamura Junko (1956). Vasija con motivos concéntricos, 2015.
- Kurokawa Toru (1984). “Protocell G”, 2017.
- Matsutani Fumio (1975). “Rei”, 2016.
- Michikawa Shozo (1953). Jarrón con rama, 2013.
- Mihara Ken (1958). “Kei”, 2014.
- Miwa Kyusetsu XIII (1951). “Kakan - Flower Crown No. 3”, 2007.
- Miyashita Zenji (1939-2012). Jarrón, 2012.
- Moriyam Kanjiro (1984). “Kai”, 2015. Gres con esmalte.
- Nagae Shigekazu (1953). Formas que se entrelazan, 2017.
- Nakamura Takuo (1945). “Mizusashi”, 2009.
- Ogawa Machiko (1946). Vasija, 2012.
- Tanoue Shinya (1976). “Hatched”, 2008.
- Wakao Kei (1967). Plato azul celadón inspirado en las olas, 2020.
- Yabe Shunichi (1968). “Luna sobre la montaña” (Gessan), 2013.
Diálogo entre tradición y modernidad
Este grupo de ceramistas japoneses no existiría sin el legado de los pioneros del movimiento mingei en el siglo XX.
Pero sus propuestas actuales se apartan deliberadamente de aquellas premisas, trazando caminos de experimentación radical.
La relación con la tradición no implica repetir formas antiguas, sino trabajar a partir de sus principios, sus materiales y sus procedimientos para llevarlos hacia nuevas posibilidades.
Por eso, las creaciones contemporáneas pueden conservar el respeto por la materia y la sencillez visual, aunque se alejen de la función utilitaria y de las formas reconocibles.
Desde esta perspectiva, una vasija puede convertirse en una estructura escultórica; un jarrón puede sugerir un paisaje; una superficie esmaltada puede actuar como una pintura; y una forma abierta puede establecer una relación activa con el espacio que la rodea.
En las piezas contemporáneas conviven la herencia del té, la estética minimalista, el interés por la naturaleza, el valor de la imperfección y una investigación formal que se aproxima a la escultura.
Precedentes del siglo XX
La exposición también establece una relación con artistas y obras anteriores, entre ellas:
- Bernard Leach (Reino Unido, 1887-1979). Jarrón ovalado, aprox. 1930-1955.
- Hamada Shoji (Japón, 1894-1978). Jarrón ovalado, 1970.
- Kitaoji Rosanjin (Japón, 1883-1959). Jarrón en forma de bambú, aprox. 1925-1950.
La presencia de estas obras permite observar la continuidad entre la renovación de la cerámica japonesa en el siglo XX y las investigaciones escultóricas de las generaciones posteriores.
La cerámica japonesa ha influido en el arte en general en diversos aspectos.
- Su estética minimalista y sencilla ha tenido un gran impacto, tendiendo hacia formas limpias y líneas simples.
- La paleta de colores suele limitarse a colores y tonos naturales y sutiles.
- Los principios de Wabi-Sabi, que celebran la belleza de lo imperfecto, lo incompleto y lo efímero, se reflejan en algunas piezas, donde se busca las irregularidades y la imperfección, así como lo único.
- La cerámica japonesa ha enseñado a los maestros alfareros a celebrar la belleza y la armonía de la naturaleza.
- Técnicas tradicionales como el Raku, el Nerikomi o el Kurinki han sido adoptadas y renovadas por algunos artistas contemporáneos, consiguiendo así una aleación perfecta entre tradición y contemporaneidad.
- El impacto de la cerámica japonesa se evidencia en numerosas exposiciones internacionales y en la adopción de las técnicas japonesas por parte de ceramistas de todo el mundo.
- La cerámica ha sido capaz de interactuar con otras artes como la caligrafía o la pintura, lo que ha servido de inspiración para muchos artistas, creando piezas que son escultura, pintura y cerámica a la vez.
Obras, materiales y escalas
Las obras contemporáneas emplean materiales como el gres, la porcelana y los esmaltes, y recurren a superficies tratadas con pintura o engobe.
Moriyam Kanjiro (1984). “Kai”, 2015. Gres con esmalte.
Una pieza lleva por título, 1998, gres de Shigaraki, 21x28x23 cm.
Alice North, EUA.
Foto en Joe Earle: Contemporary Clay.
Serie Formas en sucesión, 2011, porcelana, 40x26x33 cm.
La diversidad de materiales modifica la percepción de las obras: el gres puede subrayar la densidad y la presencia física de la masa, mientras que la porcelana puede acentuar la delicadeza, la precisión y la sensación de fragilidad.
Las piezas anteriores se muestran en cuatro vistas de muy de cerca de piezas diferentes.
Estas aproximaciones permiten observar detalles de la superficie, las variaciones del esmalte, las huellas del modelado y las transformaciones producidas por la cocción.
| Obra o serie | Fecha | Material | Dimensiones |
|---|---|---|---|
| “Kai” | 2015 | Gres con esmalte | |
| Formas en sucesión | 2011 | Porcelana | 40x26x33 cm |
| Obra de 1998 | 1998 | Gres de Shigaraki | 21x28x23 cm |
| “A Moment in White” | 2012 | ||
| “Tsukikage” (Luz de luna) | 2013 | ||
| “Aurora No. 4” | 2012 |
La experiencia escultórica del espectador
El objetivo de estos artistas no es la función utilitaria, sino una experiencia puramente escultórica.
Sus creaciones intrigan y sorprenden: la forma del recipiente es apenas un punto de partida para la experimentación más audaz.
El espectador debe enfrentarse a piezas que pueden parecer inestables, fragmentadas, entrelazadas o suspendidas entre distintas categorías.
El volumen deja de ser un contenedor neutral y se convierte en el asunto principal de la obra.
La relación entre interior y exterior adquiere una importancia especial. Incluso cuando la pieza conserva la apariencia de un jarrón o de una vasija, el espacio vacío, la abertura, la tensión de las paredes y la dirección de las líneas pueden ser más importantes que su capacidad de contener.
Las formas sólidas pueden sugerir ligereza, mientras que las estructuras aparentemente frágiles pueden transmitir una intensa sensación de permanencia.
En otras piezas, el autor juega con láminas continuas que recuerdan la cinta de Moebius.
La superficie puede conducir la mirada alrededor del objeto, sin un principio ni un final claramente definidos.
Algunas composiciones parecen a punto de colapsar.
Ese equilibrio entre estabilidad y transformación convierte la cerámica en una experiencia espacial y temporal.
La técnica Raku, cerámica japonesa
El fuego como parte de la obra
El fuego no es únicamente una etapa técnica, sino un elemento que participa en la configuración definitiva de la pieza.
El artista puede aplicar pintura, engobe y realizar sus consabidas quemas.
La cocción modifica el color, la textura, la dureza y la apariencia de la superficie.
Las irregularidades y las variaciones producidas durante el proceso pueden integrarse en la obra como rasgos esenciales de su identidad.
Esta importancia del fuego explica la expresión «arte del fuego», utilizada para referirse a una tradición en la que la materia, la técnica y la transformación térmica permanecen inseparables.
La cerámica japonesa no es tan solo un arte con miles de años de historia, sino que se trata de una fuente de inspiración y renovación en todo el mundo.
Desde las antiguas técnicas hasta las innovaciones más contemporáneas, la cerámica japonesa ha influido enormemente en los artistas tanto de Japón como de todo el planeta.
Sin duda, un enriquecimiento que, aunque cuente con ciertas raíces de tradición, busca proyectarse hacia el futuro, sin dejar de enfrentarse a nuevos desafíos y renovándose.
Documentación y presentación de las obras
Todas las fotos: Cortesía de Asian Art Museum.
Se prohíbe el uso de texto y las imágenes de este artículo, que se publican en Infoceramica exclusivamente para la promoción de la exposición, queda prohibida su reproducción sin permiso expreso.
Con esto doy por finalizada esta serie de nueve artículos consagrados al denominado «arte del fuego» en Japón.
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